Colorless Tsukuru Tazaki and His Years of Pilgrimage

Summary

Colorless Tsukuru Tazaki and His Years of Pilgrimage from the award-winning, internationally best-selling author Haruki Murakami is the remarkable story of a young man haunted by a great loss; of dreams and nightmares that have unintended consequences for the world around us; and of a journey into the past that is necessary to mend the present. Here Haruki Murakami—one of the most revered voices in literature today—gives us a story of love, friend­ship, and heartbreak for the ages.

Haruki Murakami, Colorless Tsukuru Tazaki and His Years of Pilgrimage (Published August 12th 2014 by Knopf Publishing Group (first published 2013) - 386 pages.

Personal Opinion

I was intrigued by the popularity of the award winning and very prolific Japanese writer Haruki Murakami and decided it was time for me to "check him out". I know reading just one of his books, won't do the trick, but at least it is a start.  Here are a few thoughts on my experience:

After reading just a few pages, I was hesitant this was the kind of book I was going to like. I wasn't sure what to think of the plane and simple language (perhaps a product of the translation) and the themes of adolescent friendship, anguish, love and desolation (I want to kill myself) that were reminiscent of young adult literature with a je ne sais quoi that brought to mind, at first, author Nicholas Sparks. Unjustly, I may say.

As the plot evolves and the colorless, melancholic, and not exactly Mr. personality, Tsukuru Tazaki, starts showing more depth and a complex mix of fantasy and reality intertwines, my opinion began to slowly change.  The bizarre internal fantasies and his quest for closure and human connection take the reader to unexpected places. The tension created by his suppressed sexual desires, presented as dreams, and the intricate descriptions of certain external elements that move him, such as classical music (Le mal du pays, Franz Listz), willow trees, railroad stations, and even the act of swimming in a pool, all contributed to an interesting read with some psychological insights into human nature. Our dreams and longing for interaction and connection.

Some mysteries are solved, others lingered. The novel ends ambiguously, but perhaps Tsukuru has grown and learned a few lessons and a better future lays ahead for him and Sara, or not. Colorless Tsukuru Tazaki and His Years of Pilgrimage not only has an interesting and inviting title, but the plot and narrative style grows and stays with you.

Kei Akamatsu, Mister Red
Yoshio Oumi, Mister Blue
Yuzuki Shirane, Miss White
Eri Kurono, Miss Black
Tsukuru Tazaki and Sara

My score (1-5):

   

About the Author:

Haruki Murakami, born January 12, 1949 is a contemporary Japanese writer. His books and stories have been bestsellers in Japan as well as internationally, with his work being translated into 50 languages and selling millions of copies outside his native country.

His works of fiction and non-fiction have garnered critical acclaim and numerous awards, both in Japan and internationally, including the World Fantasy Award (2006) and the Frank O'Connor International Short Story Award (2006), while his oeuvre received among others the Franz Kafka Prize (2006) and the Jerusalem Prize (2009). Murakami's most notable works include A Wild Sheep Chase (1982), Norwegian Wood (1987), The Wind-Up Bird Chronicle (1994-1995), Kafka on the Shore (2002), and 1Q84 (2009–2010). He has also translated a number of English works into Japanese, from Raymond Carver to J. D. Salinger.

Murakami's fiction, still criticized by Japan's literary establishment as un-Japanese, was influenced by Western writers from Chandler to Vonnegut by way of Brautigan. It is frequently surrealistic and melancholic or fatalistic, marked by a Kafkaesque rendition of the "recurrent themes of alienation and loneliness" he weaves into his narratives. He is also considered an important figure in postmodern literature. Steven Poole of The Guardian praised Murakami as "among the world's greatest living novelists" for his works and achievements.

Murakami was born in Japan during the post–World War II baby boom. Although born in Kyoto, he spent his youth in Shukugawa (Nishinomiya), Ashiya and Kobe. His father was the son of a Buddhist priest, and his mother the daughter of an Osaka merchant. Both taught Japanese literature.

Since childhood, Murakami similarly to Kōbō Abe has been heavily influenced by Western culture, particularly Western as well as Russian music and literature. He grew up reading a wide range of works by European and American writers, such as Franz Kafka, Gustave Flaubert, Charles Dickens, Kurt Vonnegut, Fyodor Dostoyevsky, Richard Brautigan and Jack Kerouac. These Western influences distinguish Murakami from the majority of other Japanese writers.

Murakami studied drama at Waseda University in Tokyo, where he met his wife, Yoko. His first job was at a record store, much like Toru Watanabe, the narrator of Norwegian Wood. Shortly before finishing his studies, Murakami opened a coffeehouse and jazz bar, the Peter Cat, in Kokubunji, Tokyo, which he ran with his wife from 1974 to 1981—again, not unlike the protagonist in his later novel South of the Border, West of the Sun.

Murakami is a serious marathon runner and triathlon enthusiast, though he did not start running until he was 33 years old. On June 23, 1996, he completed his first ultra marathon, a 100-kilometer race around Lake Saroma in Hokkaido, Japan. He discusses his relationship with running in his 2008 memoir What I Talk About When I Talk About Running.

Source: Wikipedia

No leer

Sinopsis

A lo largo de las crónicas y breves ensayos que componen este volumen, Alejandro Zambra hilvana, acaso sin proponérselo, una singular teoría de la lectura. Ya sea en el comentario sobrio y refinado de un determinado libro, o en las digresiones biográficas nacidas de los apuntes sobre tal o cual autor —desde Parra, Levrero y Pavese hasta Millán, Ribeyro y Tanizaki, pasando por Bolaño, Natalia Ginzburg y Puig—, el hecho mismo de leer ocupa el centro de estas páginas, en las cuales el estilete vehemente y bienhumorado contra los lugares comunes y las imposturas se alteran con la celebración intimista y sosegada de haber leído algo verdadero.

El título del libro es un generoso engaño que alude al momento en que Zambra dejó de ejercer la crítica literaria semanal y comenzó a experimentar, como él mismo dice, el placer de no leer ciertos libros, lo que le permitió abrazar otras lecturas, más reposadas pero también impetuosas, de obras menos habituales en la agenda periodística.

Como en sus novelas y poemas, Alejandro Zambra despliega aquí un estilo que hace de la ambigüedad, la contención y la vacilación valores irremplazables, ofreciendo, antes que una fatua última palabra, la sugerencia de que algunos libros nos incumben de manera sustancial, y, a la vez, dibujando una suerte de autorretrato en espejo convexo: la imagen de un escritor —y lector— ejemplar, rodeado por su biblioteca llena de espectros y afectos.

Alejandro Zambra, No leer (Ediciones Alpha Decay, S.A., Barcelona, España, 2012) - 226 páginas..

Opinión personal

No leer es una serie de textos cortos (ensayos y crónicas) que nos invita a reflexionar en torno a la literatura y a la crítica literaria. Debido a su experiencia como crítico, el autor nos habla no sólo del placer de leer, sino también de ese placer de no leer algunos libros o mejor dicho del placer de no leer lecturas impuestas, en el caso de él como crítico literario y para otros, por ejemplo como parte de un currículo escolar. La obra sobre todo es un elogio a la lectura y a varios exponentes de la literatura. Es como la descripción misma de la novela del escritor Ribeyro (en uno de sus textos): "un bazar de nombres y referencias eruditas".

El libro está divido en tres partes. La primera está llena de cortas anécdotas en torno a libros y autores. Muchos célebres y  otros varios que no conocía. Entre algunos de los más conocidos están: Borges, Rulfo, Donoso, Cortázar, Ginzburg, Puig, Levrero y Bolaños. La segunda parte contiene reseñas un poco más largas y profundas, que fueron de mi agrado, en especial la de Bolaño y la de Nicanor Parra. La tercera parte (y la más breve) es una reflexión sobre Bonsái, su primera novela y otro texto que trata sobre las condiciones de la lectura y lo que queda en el recuerdo de los lectores.

El libro es muy ameno y un disfrute literario. No leer tiene mucha información e invita a indagar sobre las vidas y experiencias de los escritores por la riqueza de fuentes, lecturas y referencias literarias que brinda. Es breve, cautiva y en definitiva es una delicia para el lector curioso. La prosa de Alejandro Zambra es culta y placentera y tiene elementos irónicos y de mucho humor. Dan ganas de leer más obras de este autor.

Mi puntuación (1-5):

:

 

Sobre el autor:

Alejandro Zambra Infantas  (Santiago, 24 de septiembre de 1975) es un poeta y narrador chileno, seleccionado en 2007 por el Hay Festival y Bogotá Capital Mundial del Libro como uno de los 39 escritores latinoamericanos menores de 39 años más importantes y elegido en 2010 por la revista británica Granta entre los 22 mejores escritores de lengua española menores de 35 años.

Ingresó después en la Universidad de Chile (se licenció en Literatura Hispánica). A los 20 años ya vivía independientemente y, además de estudiar, trabajaba: contestando teléfonos, en bibliotecas, como cartero, de junior. Así recuerda aquella época en que se consideraba poeta:

"Entrar a literatura fue muy hippie. Era una cosa maravillosa, todo el mundo tomando y fumando marihuana. Después vi que no era tan así: a mucha gente no le gustaba tanto la carrera".

Luego de egresar en 1997, consiguió una beca en Madrid. En España obtendría un magíster en filología hispánica (CSIC), se casaría con una diseñadora y se separaría al poco tiempo.

Al regresar a Chile, se fue a vivir al barrio Bellavista en una pieza de doce metros cuadrados en la calle Dardignac, "donde lo único que tenía era un gato, una silla de ruedas antigua, una cama y una pila de libros".

Zambra empezó su carrera literaria como poeta —su primer poemario, Bahía Inútil en 1998 y el segundo, Mudanza, en 2003—, pero después se pasó a la narrativa.

En 2006 apareció en la editorial española Anagrama su primera novela, Bonsái, que de inmediato se convirtió en un éxito, tanto de crítica (en Chile ganó varios premios) como de público. Ha sido traducida a varios idiomas (particularmente, al inglés para Melville House por Carolina de Robertis). Adaptada al cine por Cristián Jiménez, la película fue presentada en el Festival de Cannes 2011.

Sobre la literatura chilena, decía en 2003 que "en la prosa, creo que el mejor escritor chileno de todos los tiempos es José Santos González Vera, que tiene una maestría impresionante para captar el paisaje de ciudad chileno, mi paisaje. Juan Emar también me interesa mucho".

Es doctor en literatura por la Universidad Católica, enseña literatura en la Universidad Diego Portales. Codirector, junto con Andrés Anwandter, de la revista de poesía Humo, ha colaborado con críticas literarias y columnas en diversos periódicos como Las Últimas Noticias (donde durante tres años tuvo la columna Hoja por hoja), El Mercurio, La Tercera y The Clinic; también ha escrito para el suplemento literario Babelia de El País, la revista española Turia o la mexicana Letras Libres.

Zambra —que vive en La Reina, en la zona oriental de Santiago— sufre de grandes migrañas, que no le dejan dormir, "un dolor que te quieres matar", según sus propias palabras. La migraña cluster, que lo persigue hace años, es de origen tensional y todo los esfuerzos que ha hecho para acabar con ella ha sido infructuosos. "Con la mitad de la cara paralizada por el dolor no se puede hacer nada. Es una condena muy desagradable", dice. El protagonista de Formas de volver a casa, su tercera novela que tiene mucho de autobiográfico, sufría también esa enfermedad, pero esta no llegó a la edición definitiva del libro.

El año 2015 la Biblioteca Pública de Nueva York becó al autor con una estadía de nueve meses en la ciudad para que trabaje en un libro sobre bibliotecas llamado "Cementerios personales".

Fuente: Wikipedia

Memorial del engaño

Sinopsis 

El 17 de septiembre de 2008 dos días después de que se declarase la quiebra de Lehman Brothers, J. Volpi, uno de los genios financieros y mecenas de la ópera más respetados de Nueva York, abandonó intempestivamente sus oficinas de JV Capital Management. Ese mismo día las autoridades lo acusaron del desfalco de 15 millones de dólares, cifra considerablemente menor de los 65 mil millones de Bernard Madoff pero suficientes para acreditarlo como otro de los grandes criminales financieros de nuestra era.

Tras un áspero proceso judicial, en 2013 se publicó en Estados Unidos Memorial del Engaño, la supuesta autobiografía enviada por J. Volpi a un agente neoyorkino. Con un tono que revela el cinismo propio de los "amos del universo" que lucraron sin límites durante a burbuja inmobiliaria, este libro es el recuento en primera persona de cómo pléyade de expertos financieros, inversionistas, reguladores y políticos --y varios premios Nobel de Economía-- orquestaron una de las mayores catástrofes económicas de todos los tiempos.

A diferencia de otras confesiones surgidas al calor de la crisis, Memorial del engaño es una poderosa historia de familia que adquiere los tintes de una novela negra.  A la par de sus propias mentiras, J. Volpi desvela las de su padre, un empleado del Departamento del Tesoro que durante la segunda guerra mundial se desempeñó como asistente de Harry Dexter White, el creador del Fondo Monetario Internacional y el Banco Mundial.  Al término del conflicto, los dos hombres fueron acusados de pertenecer al mismo círculo de espías comunistas.

De un engaño a otro, este libro singular nos conduce de los secretos de alcoba de Wall Street al grupo de agentes soviéticos que fraguaron el capitalismo moderno en un escalofriante catálogo e las duplicidades que anidan en el corazón del ser humano.

Jorge Volpi, Memorial del engaño  (Alfaguara,  México, 2013) 427 páginas.

Opinión personal

La novela Memorial del engaño de Volpi  cuenta sobre las profundas mentiras de nuestra sociedad moderna a través de una saga familiar en busca del padre: engaño familiar, engaño entre parejas, engaño entre socios y amigos, pero ante todo trata sobre el cinismo de los poderosos banqueros que se lucraron sin límites durante la llamada burbuja inmobiliaria y protagonizaron una de las mayores crisis económicas de todos los tiempos. No es una crítica al sistema capitalista en sí, sino un registro de las peores características que habitan en el ser humano dejadas llevar por la avaricia y la codicia.

El relato entrelaza tres historias principales (opera en tres actos): La crisis de 2008, que se inició con la caída de Lehman Brothers, la historia de Dexter White, fundador del Fondo Monetario Internacional, que fue acusado de espiar para la URSS (macartismo) y los engaños e infidelidades familiares y la relación de padres e hijos.  Se llega fácilmente a la conclusión de que el falso J. Volpi es un mal tipo y difícilmente se puede sentir empatía por él o por la gran mayoría de los personajes.

En suma, es la historia de un descomunal engaño y un loable esfuerzo investigativo por parte del autor que logra adentrarnos, con términos fáciles de entender (como cuando explica el concepto de los derivados financieros), en la crisis económica de la que fuimos testigos y de cierta forma cómplices. 

"¿Se puede hacer dinero de la nada?
–¡Claro que sí! – sostiene Volpi"

Mi puntuación (1-5):

Sobre el autor:

Jorge Luis Volpi Escalante (Ciudad de México, 10 de julio de 1968) es un escritor mexicano miembro de la denominada generación del crack.

Empezó a escribir muy joven, solamente a los dieciséis años, tras participar en un concurso de cuento en el Centro Universitario México, al que también acudieron Ignacio Padilla y Eloy Urroz, con quienes más tarde elaboraría el Manifiesto Crack. Fue catedrático de la Universidad Marista y de la UDLA. Luego se decantó por lecturas de historia, filosofía y ciencia. Se licenció en Derecho por la UNAM y obtuvo el grado de maestro en Letras Mexicanas por la misma universidad; también se doctoró en Filología Hispánica por la Universidad de Salamanca, adonde fue con su amigo Padilla, con una tésis sobre las relaciones entre el subcomandante Marcos y los intelectuales en 1994 (más tarde se convertiría en el libro La guerra y las palabras). Sobre el poeta suicida Jorge Cuesta escribió el ensayo El magisterio de Jorge Cuesta, que le valió el Premio Plural de ensayo en 1991. Ese mismo año publicó su primer libro de cuentos, Pieza en forma de sonata, para flauta, oboe, cello y arpa, Op. 1, donde reflexiona sobre la enfermedad que produce la música en sus intérpretes, que tienen un ímpetu obsesivo de alcanzar la ejecución perfecta de su instrumento musical, como si fuese una especie de destino sexual. Fue profesor visitante en las universidades de Emory (Atlanta) y Cornell (Ithaca (Nueva York)).

Su primera producción novelística agrupa A pesar del oscuro silencio (1993), La paz de los sepulcros (1995) y El temperamento melancólico (1996) y las novelas cortas Días de ira (en el volumen Tres bosquejos del mal, 1994), Sanar tu piel amarga (1997) y El juego del Apocalipsis (2000).

Con su novela En busca de Klingsor (Seix Barral, 1999), que obtuvo varios premios, inició una llamada Trilogía del siglo XX. Esta obra —que trata sobre un científico norteamericano que se une al ejército con la misión, al final de la Segunda Guerra Mundial, de descubrir quién es Klingsor, presumiblemente un científico nazi de muy alto nivel— supuso su consagración internacional al ser publicada en veinticinco idiomas. Completó la trilogía con El fin de la locura (Seix Barral, 2003) y No será la tierra (Alfaguara, 2006). Su obra se ha traducido a 25 idiomas.

Escritor atípico en la esfera cultural mexicana, Volpi se documenta a fondo antes de empezar una obra y siente una gran pasión por el mundo de la ciencia y sus implicaciones, así como también por la política y el pensamiento actual. Sus novelas van dirigidas a un lector culto, inquieto e inteligente, a fin de inducirlo a una reflexión en el fondo ética.

Además, ha cultivado el ensayo con obras como La imaginación y el poder. Una historia intelectual de 1968, y La guerra y las palabras. Una historia intelectual de 1994, donde aborda la Revolución Zapatista Mentiras contagiosas; autor de antologías (Día de muertos, de jóvenes cuentistas mexicanos) y junto con Fernando Iwasaki, de una edición comentada de los cuentos completos de Edgar Allan Poe, en la que participan sesenta y nueve cuentistas españoles e hispanoamericanos). Su ensayo más reciente es Leer la mente. El cerebro y el arte de la ficción (2011).

Colabora habitualmente, entre otros medios, con el semanario mexicano Proceso, el diario español El País, y tiene un blog en El Boomeran(g). Ha sido profesor universitario, miembro del Sistema Nacional de Creadores de México, director del Instituto de México en París (2001) —en Francia compiló durante dos años información sobre el mayo de 1968 para sus obras y leyó en profundidad las teorías de Jacques Lacan, Michel Foucault, Roland Barthes y Louis Althusser—, y durante cuatro años dirigió Canal 22, la cadena cultural de la televisión pública de México.

Con La tejedora de sombras —novela sobre Christiana Morgan y su relación con el fundador de la Clínica Psicoanalítica de Harvard, Henry Murray— obtuvo el Premio Planeta-Casa de América 2012.

Fuente: Wikipedia

Tristana

Sinopsis

Al morir su madre, Tristana es confiada a don Lope, un don Juan en declive, incapaz de aceptar su caducidad como seductor. Si bien don Lope se interesará por la joven, ella se enamorará de Horacio, un pintor que le corresponde; sin embargo, la súbita partida de éste enfriará la relación y, para colmo, una enfermedad caerá sobre Tristana y forzará el amputamiento de su pierna.

Benito Pérez Galdós, Tristana (Alianza Editorial, Madrid, España, diciembre de 1997- Primera edición, 1892) 235 páginas.

Opinión personal

Tristana de Benito Pérez Galdós es la historia trágica de una mujer, una alma noble, pero débil. La bella cautiva está llena de sueños que aunque poco definidos y constantes la colocan fuera de su época; precursora de pensamientos feministas en una tiempo de poca esperanza para el equilibrio social y los derechos de la mujer. Tirstana es casi un objeto, una muñeca, creada a la imagen de una dama japonesa educada para complacer al varón.

La novela relata la vida de tres personajes principales y como la enfermedad de Tristana cambia sus destinos. Primero, el autor nos presenta a Don Lope Garrido a quien pinta como un personaje quijotesco, bueno, pero no del todo, noble de corazón, pero seductor de mujeres. Carcelero y ladrón de inocencia. Al final, viejo y deteriorado es un remedo de lo que fue en su juventud y sucumbe a sus propias patrañas.

El segundo personaje es Tristana de Reluz, la inocente engañada, ansiosa de libertad, enamorada del amor, tentada por el conocimiento, ilusa y voluble, quizá. Al final es víctima de un revés del destino injusto y trágico.

Horacio Díaz, el tercer personaje de importancia, es el galán joven que ha cautivado el corazón de Tristana. Un hombre con sus propios meritos, pintor y emprendedor, pero que al final termina siendo más una invención que un personaje real para Tristana.

La enfermedad de Tristana y la pérdida de su pierna, trunca literalmente el destino de todos. No sólo cambia la historia de amor, sino que frustra sus aspiraciones. Don Lope encuentra un nuevo propósito para su existencia y su rápida decadencia, Horacio vuela y encuentra otro destino. Tristana como una pájaro enjaulado al que le han cortado las alas (en este caso la pierna), encuentra la libertad en un destino confuso, sombrío y cambiante (rezandera solitaria) donde no ve realizado ninguno de sus ideales.

La narración es en tercera persona y es espontánea, sencilla y ágil. Los personajes se expresan de acuerdo a su nivel social, así que hay matices de lo culto y lo vulgar (sirvienta). La novela tiene elementos de lo irónico y lo inverosímil que mantienen el interés del lector.

Mi puntuación (1-5):

 

    

Sobre el autor:

Benito María de los Dolores Pérez Galdós  (Las Palmas de Gran Canaria, 10 de mayo de 1843 - Madrid, 4 de enero de 1920), conocido como Benito Pérez Galdós, fue un novelista, dramaturgo, cronista y político español.

Se le considera uno de los mejores representantes de la novela realista del siglo XIX en España y un narrador capital en la historia de la literatura en lengua española, hasta el punto de ser reconocido por muchos como el mayor novelista español después de Cervantes.

Galdós transformó el panorama novelesco español de la época, apartándose de la corriente romanticista en pos del realismo y aportando a la narrativa una gran expresividad. En palabras de Max Aub, Galdós, como Lope de Vega, asumió el espectáculo del pueblo llano y con "su intuición serena, profunda y total de la realidad", se lo devolvió, como Cervantes, rehecho, "artísticamente transformado". De ahí que "desde Lope ningún escritor fue tan popular, ninguno tan universal desde Cervantes".

Pérez Galdós fue desde 1897 académico de la Real Academia Española y llegó a estar nominado al Premio Nobel en 1912. Mostró también afición a la política e incluso fue elegido diputado en varias ocasiones por distintas circunscripciones.
Benito Pérez Galdós solía llevar una vida cómoda, viviendo primero con dos de sus hermanas y luego en casa de su sobrino, José Hurtado de Mendoza.

En la ciudad, se levantaba con el sol y escribía regularmente hasta las diez de la mañana a lápiz, porque la pluma le hacía perder el tiempo. Después salía a pasear por Madrid a espiar conversaciones ajenas (de ahí la enorme frescura y variedad de sus diálogos) y a observar detalles para sus novelas. No bebía, pero fumaba sin cesar cigarros de hoja. A primera tarde leía en español, inglés o francés; prefería los clásicos ingleses, castellanos y griegos, en particular Shakespeare, Dickens, Cervantes, Lope de Vega y Eurípides, a los que se conocía al dedillo. En su madurez empezó a frecuentar a León Tolstói. Después volvía a sus paseos, salvo que hubiera un concierto, pues adoraba la música y durante mucho tiempo hizo crítica musical. Se acostaba temprano y casi nunca iba al teatro. Cada trimestre acuñaba un volumen de trescientas páginas.

Desde la óptica de un Ramón Pérez de Ayala Galdós era descuidado en el vestir, usando tonos sombríos para pasar desapercibido. En invierno era habitual verle llevando enrollada al cuello una bufanda de lana blanca, con un cabo colgando del pecho y otro a la espalda, un puro a medio fumar en la mano y, ya sentado, completaba la estampa tópica su perro alsaciano junto a él. Tenía por costumbre llevar el pelo cortado "al rape" y, al parecer, padecía fuertes migrañas.

La vida sentimental de Galdós, que el escritor conservó celosamente en secreto,nota 4 tardó en ser estudiada con cierto método. Hubo que esperar a que en 1948, el hispanista lituano establecido en Estados Unidos, Chonon Berkowitz, publicase su estudio biográfico titulado Pérez Galdós. Spanish Liberal Crusader (1843-1920).

Galdós permaneció soltero hasta su muerte. Algunos amigos y contemporáneos dejaron noticia de su debilidad por las relaciones con profesionales, aunque no se ha podido demostrar cuánto haya de mito y exageración en ello. Se le conoce una hija natural, María Galdós Cobián, nacida en 1891 de Lorenza Cobián.

En el último periodo de su vida, Galdós repartió su tiempo entre los compromisos políticos y la actividad como dramaturgo. Sus últimos años estuvieron marcados de modo progresivo por la perdida de la visión y las consecuencias de sus descuidos económicos y tendencia a endeudarse de forma continua, aspectos íntimos que el entonces joven periodista Ramón Pérez de Ayala, aprovechándose de su interesada amistad con el viejo escritor, recogió más tarde en sus Divagaciones literarias.

El 20 de enero de 1919 se descubrió en el Parque del Retiro de Madrid una escultura erigida por suscripción pública. Por razón de su ceguera, Galdós pidió ser alzado para palpar la obra y lloró emocionado al comprobar la fidelidad de la obra que un joven y casi novel Victorio Macho había esculpido sin cobrar su trabajo. Un año más tarde, Benito Pérez Galdós, cronista de España por designación del pueblo soberano, murió en su casa de la calle Hilarión Eslava de Madrid, en la madrugada del 4 de enero de 1920. El día de su entierro, unos 30.000 ciudadanos acompañaron su ataúd hasta el cementerio de la Almudena.

Fuente: Wikipedia

Heart of Darkness

Summary

Dark allegory describes the narrator’s journey up the Congo River and his meeting with, and fascination by, Mr. Kurtz, a mysterious personage who dominates the unruly inhabitants of the region. Masterly blend of adventure, character development, psychological penetration. Considered by many Conrad’s finest, most enigmatic story.

Stefan Zweig, Chess Story (New York  Review Books, New York, 1976 - 2006) Translated by Joel Joseph Conrad, Heart of Darkness (Dover Publications, Inc., New York, 1990 - First published in London, England in 1902) -  80 pages.

Personal Opinion

An interesting read full of symbolism and metaphors. A hard to follow story of a dark (weird) adventure to Africa that depicts not only the maltreatment of natives, but the worst of human nature (greed, hate, thirst for power, violence, etc. etc.), and the price we pay for our own follies: insanity and desolation. A somber story , intense, full of hopeless longing and despair. Described as being written in beautiful prose by others, I found it depressing, dense and soporific, with some glimmers of wonder. Glad it was short, definitely not sweet.

Sample quotes:

"—A white patch for a boy to dream gloriously over. It had become a place of darkness."
"The fact is I was completely unnerved by a sheer blank fright, pure abstract terror, unconnected with any distinct shape of physical danger."

"Kurtz's life was running swiftly, too, ebbing, ebbing out of his heart into the sea of inexorable time."

http://shmoop.com/video/heart-of-darkness-summary/

My score (1-5):

   

About the Author:

Joseph Conrad (born Józef Teodor Konrad Korzeniowski; 3 December 1857 – 3 August 1924) is regarded as one of the greatest novelists in English. He was granted British nationality in 1886, but always considered himself a Pole. Though he did not speak English fluently until he was in his twenties (and always with a marked accent), he was a master prose stylist who brought a distinctly non-English sensibility into English literature. He wrote stories and novels, many with a nautical setting, that depict trials of the human spirit in the midst of an impassive, inscrutable universe.

Joseph Conrad is considered an early modernist, though his works still contain elements of nineteenth-century realism. His narrative style and anti-heroic characters have influenced many authors, including T.S. Eliot, William Faulkner, Graham Greene, and more recently Salman Rushdie.Many films have been adapted from, or inspired by, Conrad's works.

Writing in the heyday of the British Empire, Conrad drew on his native Poland's national experiences and on his personal experiences in the French and British merchant navies to create short stories and novels that reflect aspects of a European-dominated world, while profoundly exploring human psychology. Appreciated early on by literary critics, his fiction and nonfiction have since been seen as almost prophetic, in the light of subsequent national and international disasters of the 20th and 21st centuries.

Source: Wikipedia

¡Que viva la música!

Sinopsis

¡Que viva la música! es una novela de iniciación. Es la invitación a una fiesta sin sosiego, donde su protagonista dejará que el mundo baje hasta el pozo sin fondo de sus propios excesos. Pero con felicidad. Con absoluta dicha. Hay un pacto secreto con la muerte en esta danza de María del Carmen Huerta, la rubia protagonista de estas páginas. Pero es la muerte dulce de las celebraciones: el paisaje, los afectos, la noche, la niñez que huye, la adolescencia triunfal, el rock and roll, los Rolling Stones, la salsa, Richie Ray, Bobby Cruz, las drogas, y Cali. Es, así mismo, una iniciación al descubrimiento de una ciudad colombiana (única, mágica e irrepetible), que comienza por el cielo del Norte, con su Avenida Sexta, su parque Versalles y sus parajes mágicos, hasta llegar al infierno del Sur con su caseta Panamericana, su río Pance, sus barrios más allá de Miraflores, su cordillera de los Andes alada y los refugios de la salsa y el sexo en los límites finales de la calle quince.

El primer ejemplar es publicado el cuatro de marzo de 1977 y ese mismo día el autor se suicida ingiriendo 60 pastillas de secobarbital. La novela fue publicada por Colcultura.

Fuente: Goodreads
André Caicedo, ¡Que viva la música! (Alfaguara, Santillana Ediciones Generales, México, 2012) - 192 páginas.

Opinión personal

¡Que viva la música! es la historia de una bacanal que no tiene fin, la historia de una adolescente de clase alta de la ciudad de Cali. La "siempreviva", como se autodenomina, decide olvidarse de todos los convencionalismos (y de su burguesía) y entregarse de forma desbocada a un mundo de música, fiesta, sexo, drogas y a todos los placeres y peligros que conllevan estas interminables noches de farra: amores fugaces, sexo indiscriminado, amistades tenues, insaciabilidad/adicción por las drogas y violencia gratuita. Se palpa un egocentrismo descomunal, una sensación omnipresente del "yo" nihilista que lo justifica todo. Que está anclado en la libertad de elegir su propio destino (totalmente contrario a lo comúnmente aceptado) aunque resulte en caos o termine en la muerte a destiempo, que más que aceptada es bienvenida.

La novela también trata sobre el cambio, la rebelión de la juventud contra las tendencias musicales y culturales contaminadas por lo foráneo, de los que gustan de lo extranjero del norte (el rock de Estados Unidos). En los callejones oscuros de los barrios marginados se escucha la salsa, un género de música minoritario de la población pobre y negra. Nuestra heroína, blanca y rubia, la seduce este ritmo, hecho que es casi una herejía para la sociedad conservadora y racista de entonces. 

El estilo de la narrativa es hipnótico, delirante, absorbente, intenso. El monólogo de María Carmen de Huerta es desordenado (no hay capítulos) y caótico como pueden ser los pensamientos, atiborrados de música y afectados por las drogas, en el que reflexiona y nos cuenta el destino al que se ha entregado que la convierte en un símbolo de transgresión y frenesí. También disfruté el lenguaje coloquial de aquellos tiempos y reconocí algunas expresiones de mi adolescencia. No dudo que ha de ser un banquete para aquellos que no sólo están familiarizados con las expresiones sino con la música que seguramente se entrelazarán intensificando la experiencia. 

Finalmente, intuyo que ha de ser más disfrutable leer una obra como esta en la aurora de la vida (adolescencia). Para el resto, es una mirada a las locuras de entonces. Sin embargo, como lo dice el epígrafe de Neruda: “Nosotros, los de entonces, ya no somos los mismos”, por fortuna.

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Sobre el autor:

Luis Andrés Caicedo Estela - Cali, Valle del Cauca, Colombia; 29 de septiembre de 1951 – ib., 4 de marzo de 1977) fue un escritor colombiano nacido en Cali, Valle del Cauca, ciudad en la que pasó la mayor parte de su vida. A pesar de su prematura muerte, su obra es considerada como una de las más originales de la literatura colombiana. Caicedo lideró diferentes movimientos culturales en la ciudad vallecaucana como el grupo literario los Dialogantes, el Cineclub de Cali y la revista Ojo al Cine. En 1970 ganó el Concurso Literario de Cuento de Caracas con su obra "Los dientes de caperucita", lo que le abriría las puertas a un reconocimiento intelectual. Escribió que vivir más de 25 años era una vergüenza, lo que es visto por muchos como la razón principal de su suicidio el 4 de marzo de 1977 cuando tenía tan sólo 25 años de edad y había recibido una copia del libro editado por una editorial Argentina.

La obra de Caicedo hace relevancia a la sociedad urbana y sus problemas sociales, principalmente con respecto al mundo actual. Contrario a la escuela literaria del realismo mágico, la obra de Caicedo se inspira completamente en la realidad social, lo que ha hecho que algunos estudiosos le den la importancia como alternativa en Latinoamérica a figuras prominentes como la de Gabriel García Márquez. Especialmente el periodista, escritor y cineasta chileno Alberto Fuguet sigue la obra de Caicedo, al cual llama «el primer enemigo de Macondo». A pesar de su fama en Colombia, Caicedo es poco conocido en América Latina, seguramente debido a su temprana muerte. Sin embargo, la permanente organización de su producción literaria y la influencia que tiene en nuevas generaciones de escritores como Rafael Chaparro, Efraím Medina, Octavio Escobar Giraldo y Ricardo Abdahllah, hacen que cada vez más cobre gran valor el aporte literario del "escritor con cara de estrella del pop", como lo llama el chileno Alberto Fuguet.

Fiel a la idea de que vivir más de 25 años es una insensatez, Andrés intenta suicidarse dos veces en 1976; pese a esto escribe dos cuentos más: Pronto y Noche sin fortuna, y aparecen los números 3, 4 y 5 de la revista Ojo al cine. Entrega a Colcultura el manuscrito final de ¡Que viva la música!, del cual alcanzaría a recibir un ejemplar editado el cuatro de marzo de 1977; ese mismo día ingiere intencionalmente 60 pastillas de secobarbital, acto que acaba con su vida.

Analizando su muerte, Alberto Fuguet dice:

“Caicedo es el eslabón perdido del boom. Y el enemigo número uno de Macondo. No sé hasta qué punto se suicidó o acaso fue asesinado por García Márquez y la cultura imperante en esos tiempos. Era mucho menos el rockero que los colombianos quieren, y más un intelectual. Un nerd súper atormentado. Tenía desequilibrios, angustia de vivir. No estaba cómodo en la vida. Tenía problemas con mantenerse de pie. Y tenía que escribir para sobrevivir. Se mató porque vio demasiado”, dice

Fuente: Wikepedia